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AUTUMN IS THE NEW SPRING. Gli eventi che riaprono il dibattito
«Ogni materia era maestra di vita... io ci ho aggiunto l'arte»
L'attesa retrospettiva su Luciano Fabro all'HangarBicocca di Milano
Luciano Fabro, È la vita, è la storia, è la morale, 1995, Pirelli HangarBicocca Milano, 2026. Foto A. Osio.
Nell'autunno del 1983, Luciano Fabro intitolò la sua lezione inaugurale all'Accademia di Brera "Che fare": una provocazione rivolta a chi aveva scelto di diventare artista, e con essa di assumersi una responsabilità critica nei confronti del proprio tempo. Fabro concepiva l'insegnamento come un'estensione naturale della propria ricerca: «Di natura sono scherzoso, e tale rimango fino a salire in cattedra e lo ridivento non appena ridiscendo» affermava.
Luciano Fabro, Piede senile IV, 2000, Pirelli HangarBicocca Milano, 2026. Foto A. Osio.
Questo tourbillon di rigore, ironia e spirito critico è il fulcro della magnifica retrospettiva da poco inaugurata all'HangarBicocca, a Milano. In questa sede ogni dettaglio è un atto di fede - e di fedeltà - verso il modus creandi di Fabro, a partire dalla scelta di riproporre gli allestimenti storici, come Habitat (di Rotterdam), 1981, di cui addirittura sono resi evidenti gli studi preparatori (le linee bianche sul pavimento, proiezione della regola aurea). La mostra pare mettere in scena, habitat dopo habitat, tutte le idee che hanno messo in discussione la definizione canonica di scultura: dalle Italie ai Piedi, dai marmi "cosmologici" a È la vita, è la storia, è la morale (1995).
Quest'ultima, in chiusura del percorso, testimonia la portata dirompente delle "intuizioni scultoree" di Fabro e al contempo funge da dichiarazione morale, alludendo - pur alterandolo - al motto kantiano «la legge morale dentro di me, il cielo stellato sopra di me».
Più che occupare lo spazio le creazioni di Fabro sembrano metterlo alla prova, interrogando il modo stesso in cui facciamo esperienza del mondo. In questo senso, il professore e l'artista si avvicinano: entrambi chiedono allo spettatore di non limitarsi a guardare, ma di prendere posizione.
Luciano Fabro. Abitare lo spazio
8 ottobre 2026 - 21 febbraio 2027
A cura di Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi, Vicente Todolí, Silvia Fabro
Via Chiese 2, Milano
Jannis Kounellis: Io sono un pittore
Collezione Giancarlo e Danna Olgiati, Lugano
Veduta della mostra Io sono un pittore, Collezione Giancarlo e Danna Olgiati, 2026.
«Io sono un pittore», amava ripetere Jannis Kounellis. Una dichiarazione tutt'altro che scontata per un artista che ha fatto della pittura un campo di continue infrazioni, portandola fuori dal quadro e mettendola in relazione con oggetti di vita quotidiana.
È da questo apparente paradosso che prende avvio Io sono un pittore, a cura di Vincenzo de Bellis, alla Collezione Olgiati di Lugano. Kounellis non rinuncia mai al linguaggio pittorico, ma lo estremizza reinventandone radicalmente il vocabolario. Il primo step espositivo mostra già questa tensione: un quadrato nero dipinto direttamente sulla parete, omaggio a Malevič, è accostato alle tavole del 1958 con insegne di negozi e numeri. Il segno pittorico tout court incontra la vita materiale, la realtà entra nell'opera e la pittura comincia a uscirne.
Veduta della mostra Io sono un pittore, Collezione Giancarlo e Danna Olgiati, 2026.
La chiusura del percorso presenta un esito estremo di questa ricerca, in apparenza persino anti-pittorico: l’installazione del 1988 composta da centinaia di bicchieri colmi di grappa, il cui odore acuto e persistente invade la sala. L’opera non è più soltanto da guardare, ma coinvolge in prima persona il corpo dello spettatore, turbandone la quasi anestetizzata “posa da museo”. Per Kounellis, essere un pittore significa domandarsi fin dove la pittura possa spingersi.
Jannis Kounellis. Io sono un pittore
20 settembre 2026 - 17 gennaio 2027
Marisa Merz. La danza delle ore
Castello di Rivoli, Fondazione Merz e GAM di Torino in un progetto espositivo totale
Marisa Merz. La danza delle ore
29 ottobre 2026 - 4 aprile 2027
A cura di Chiara Bertola, Sébastien Delot, Francesco Manacorda, Beatrice Merz, Chiara Parisi, Marianna Vecellio
Fondazione Merz - via Limone 24, Torino
«Se un uomo mi chiede di fare una cosa, io quella cosa la faccio come voglio. A me non interessa né il potere né la carriera, mi interessano solo io e il mondo»
Marisa Merz, Come una dichiarazione, Bit #1 vol.2, aprile 1968
Negli anni Sessanta, in un contesto artistico e sociale ancora saldamente dominato da logiche maschili di potere e controllo, la sua voce si impone come una sorta di geniale anomalia del sistema. La libertà del suo pensiero si riflette in un lavoro che rifiuta ogni forma di compiutezza: opere attentamente plasmate ma mai definitive, che Tommaso Trini definirà «prefigure», forme sottratte a qualsiasi idea di fissità. Il critico descrive il suo universo come un ecosistema alterabile, «amorfo, multiforme, nebulare», un mondo «ancora in formazione» (Domus, n. 454, settembre 1967), in sintonia con un tempo storico, all’alba del ‘68 rivoluzionario, percepito come aperto e instabile.
Per Merz esiste una continuità tra l'eccezionalità della sfera creativa e la quotidiana ritualità domestica - dai giochi della piccola Beatrice ai lavori all’uncinetto, tradizionale attributo della “donna di casa” che lei trasformerà in maniera del tutto personale. Attorno a questa continuità prende forma il primo atto della mostra Marisa Merz. La danza delle ore, alla Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea (GAM) di Torino, che intende restituire l'idea di casa come "laboratorio alchemico".
Alla Fondazione Merz e al Castello di Rivoli, invece, si sviluppano gli altri due atti. Rispettivamente, la prima sede concentra l'attenzione sul modo unico e imprevedibile di Merz di costruire le opere: la scelta dei materiali, il gesto, la composizione di quell'equilibrio solo apparentemente precario tra fili di rame, cera, tessuti e oggetti quotidiani. Nell'ultima sede, infine, la storica opera E naufragar m'è dolce in questo mare (1980) - esposta per la prima volta alla Galleria Tucci Russo - è posta in relazione con il lavoro di artiste di generazioni diverse, dichiarando apertamente la delicata - eppur tagliente -attualità di Marisa Merz.
ARTE ALL'APPELLO. Le responsabilità dell'arte per il contemporaneo
L'arte per la qualità della vita
Da settembre 2026, l’Inoc - Istituto Nazionale Oncologico Candiolo - ospita permanentemente un igloo di Mario Merz. L'iniziativa, parte di "Candiolo Cares", si propone di migliorare la qualità della vita dei pazienti e dei loro caregiver attraverso strumenti non tipicamente ospedalieri, a partire dall'arte.
Nato come archetipo dell’abitare, l’igloo trova in un luogo di cura una nuova risonanza, dove l’idea di rifugio si intreccia al tema del benessere della vita umana.
Il progetto sarà inoltre raccontato in un catalogo, presentato ad Artissima 2026.
Cecilia Paccagnella, L'Arte Povera che cura, Giornale dell'Arte
Arte e responsabilità politica
La responsabilità politica, nel suo senso più radicale, è la capacità di rispondere all’appello: riconoscere che ciò che accade ci riguarda e non rifugiarsi nell’indifferenza. In Porta d’Europa (Lampedusa, 2008), Mimmo Paladino trasforma questa chiamata in una soglia concreta, rivolta a chi arriva, a chi attende, a chi guarda. Tornata al centro dell’attenzione nell’estate 2026, tra la visita papale e le notizie di presunti atti vandalici, l’opera ci pone una domanda scomoda: di fronte a una porta aperta sul mondo, chi si assume la responsabilità di rispondere?
L'artista non dovrebbe celebrare ma raccontare. La storia della Porta d'Europa, Isoladipace.it
Arte e quotidianità cittadina
A Torino, dopo anni di inattività, torna in funzione la Fontana Igloo di Mario Merz. L'opera, realizzata nel 2002, fa parte del progetto Artecittà. 11 artisti per il Passante Ferroviario, a cura di Rudi Fuchs e Cristina Mundici, commissionato nel 1995 dalla città di Torino per accompagnare un vasto piano di riqualificazione urbana. Negli ultimi anni il mancato funzionamento dell'impianto, dovuto ai costi necessari per la sua manutenzione, aveva acceso il dibattito torinese: quale valore dovremmo conferire agli aspetti più trasversali della vita cittadina, come l'arte pubblica?
Valentina Muzi, Riattivata la Fontana Igloo di Merz, Artribune
Custodire l'autonomia dell'atto artistico
Pier Paolo Calzolari riceve il Sigillo delle Arti 2026
Nel maggio 2026 Pier Paolo Calzolari ha ricevuto il Sigillo delle Arti dell’Accademia di Belle Arti di Urbino, insieme al titolo di Accademico d’Onore, conferito dall’Accademia e dall’Università degli Studi di Urbino “Carlo Bo”.
Il conferimento del premio ha permesso un confronto diretto con le nuove generazioni: dopo la cerimonia, Calzolari ha incontrato gli studenti dell’Accademia per una conversazione dal titolo "Se il sognatore muore, che ne è del sogno?".
L'importante riconoscimento si inserisce in una stagione particolarmente intensa per l’artista, segnata da nuove occasioni espositive. A settembre, la mostra Tre opere a San Filippo, curata da Karine Marcelle Arneodo, ha portato il lavoro di Calzolari nella Chiesa di San Filippo a Fossombrone, nell’ambito di Artopia 2026. A ottobre è invece Pier Paolo Calzolari. Opere scelte, curata da Sergio Risaliti, ad aprire la programmazione della nuova sede di 21Art a Montecarlo.
Tutti questi progetti espositivi ricostruiscono l'indagine artistica sul pauperismo, inteso come possibilità di convivere democraticamente con la materia, in tutta la sua varietà, e risignificarla senza mai ricadere in un'annichilente nostalgia del passato.
HIGHLIGHTS FROM TURIN
Storiche acquisizioni, nuove pubblicazioni
Fondazione Arte CRT
Conferenze sula Fondazione Arte CRT. Uno sguardo sul contemporaneo, La collezione della Fondazione Arte CRT, a cura di Guido Curto, Allemandi, 2026.
Nel 1991 la legge Amato decreta la separazione tra l’attività creditizia e la vocazione filantropica. Per la Cassa di Risparmio di Torino, sino ad allora molto sensibile ai temi sociali, sorge un'esigenza: costruire un organismo di tutela forte per valorizzare il patrimonio culturale e contribuire al welfare sociale. Nasce così Fondazione CRT che, nel 1999, destina un ramo operativo all'arte. Quest'ultimo trova nella collezione di Arte Povera di Mme Christian Stein il proprio nucleo fondativo. Qui inizia il percorso del Castello di Rivoli e della GAM di Torino, sostenuti dalla Fondazione attraverso un programma continuativo di acquisizioni. L'avvincente storia della collezione di Fondazione Arte CRT è raccontata nel nuovo volume Uno sguardo sul contemporaneo, a cura di G. Curto (Allemandi, 2026).
La collezione è materia viva
Castello di Rivoli
Veduta del Castello di Rivoli, opera di Pier Paolo Calzolari. Courtesy Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino. Foto S. Pellion di Persano
Da ottobre 2026 il Castello di Rivoli propone un inedito allestimento della collezione di Arte Povera, che assume una nuova connotazione: da materia da preservare e spolverare a materia da esporre alle "scosse" della contemporaneità.
"Materia viva. Viaggio nell'Arte Povera" è il percorso di visite guidate, pensato per far comprendere a pieno un progetto curatoriale che per la prima volta, valorizzando i protagonisti storici del movimento, assegna a ciascuno uno spazio autonomo. Tra questi Giovanni Anselmo, Pier Paolo Calzolari, Mario Merz, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Gilberto Zorio.
Giulio Paolini: in due atti
Castello di Rivoli
Giulio Paolini: in due atti, 2026. Veduta dell’Atto I, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea. Foto Sebastiano Pellion di Persano.
Il Castello di Rivoli presenta un progetto interamente pensato da Giulio Paolini, basato su opere storiche (dal 1962 al 1972) e realizzato in omaggio a Gino Viliani, suo appassionato collezionista. «Otto quadri, qui riuniti a chiedere udienza e visibilità, testimoniano il desiderio espresso a suo tempo dal collezionista Gino Viliani, di mostrarsi in una sala concepita e allestita dal loro autore. Eccomi, dunque, all’opera: ogni quadro, già provvisto di una propria storia espositiva, si presta qui a far parte di un assieme, un ambiente espressamente progettato» dichiara l'artista.
Terzo Piano, Edificio Castello, Sala 35
A TUTTO BOETTI
Alighiero Boetti
Dia Art Foundation, Beacon (NY)
Alighiero Boetti, installation view, Dia Beacon, New York, 2026 . © Alighiero Boetti/Artists Rights Society (ARS), New York. Ph. Bill Jacobson Studio, New York.
La mostra del Dia Art Foundation rilegge Alighiero Boetti a partire da una domanda sorprendentemente attuale: quale può essere il ruolo dell’artista in un mondo attraversato da trasformazioni politiche, conflitti e flussi globali di informazioni?
Queste tematiche trovano interessanti risonanze intergenerazionali nelle opere di Renée Green, On Kawara e Sol LeWitt, presentate nelle sale attigue, aprendo inattesi punti di contatto con la ricerca di Boetti.
Long term exhibition
Tutto Boetti
Magazzino Italian Art, Cold Spring (NY)
Tutto Boetti 1966-1993 gallery installation. Courtesy of Magazzino Italian Art.
Ph. Marco Anelli. © Alighiero Boetti by SIAE/ARS 2026.
La mostra di Magazzino Italian Art ripercorre con notevole rigore curatoriale l’intera parabola creativa di Alighiero Boetti, dalle prime sperimentazioni realizzate a Torino negli anni Sessanta alle opere della piena maturità. Attraverso circa trenta lavori provenienti dalla collezione permanente del museo e da importanti prestiti, l'esposizione ricostruisce l’evoluzione di una ricerca che ha fatto della molteplicità, della costruzione di sistemi aperti e della tensione mai risolta tra ordine e disordine alcuni dei propri principi fondanti.
26 aprile 2026 - 26 aprile 2028
Alighiero Boetti
San Marco Art Center, Venezia
Alighiero Boetti, immagini della mostra a SMAC Venice (San Marco Art Centre), foto di Nicolò Miana © Alighiero Boetti, 2026, DACS.
In concomitanza con la Biennale di Venezia 2026, SMAC Venice dedica ad Alighiero Boetti una vasta retrospettiva. Il percorso segue una delle trasformazioni più radicali della sua pratica: una figura dell’autore continuamente decentrata, divisa tra invenzione, esecuzione e delega., fino alla scelta, nel 1972, della firma duale «Alighiero e Boetti». Dai Biro ai Ricami, dalle Mappe agli Aerei e ai Calendari.
A completamento del progetto, un catalogo con un ricco apparato iconografico e i contributi critici di Elena Geuna e Hans Ulrich Obrist.
7 maggio - 22 novembre 2026
The Other Side of Art
Nuovi film, mostre e letture sulla critica d'arte
What We Are Reading
Jannis Kounellis. Io sono un pittore
Vincenzo de Bellis
Attraverso un ricco apparato iconografico e i saggi di Vincenzo de Bellis e Bruno Corà, il volume ripercorre alcuni dei nuclei centrali della ricerca di Jannis Kounellis: il rapporto tra segno e materia, la memoria, la dimensione teatrale dell'opera e il confronto con la storia. Dalle prime opere fondate su lettere, numeri e simboli fino alle installazioni con carbone, ferro, lana e oggetti d'uso comune, emerge il tentativo di ampliare radicalmente il linguaggio della pittura, fino a farne uno strumento capace di misurarsi con l'esperienza umana in tutta la sua complessità.
Mousse Publishing, 2026
Luciano Fabro. Disegni e opere
Ilaria Bernardi, Silvia Fabro
Il volume, a cura di Ilaria Bernardi e Silvia Fabro, approfondisce la meno nota produzione su carta di Luciano Fabro, sviluppata parallelamente alla sua ricerca sulla scultura e sullo spazio dagli anni Sessanta fino alla scomparsa dell’artista nel 2007. Attraverso un'attenta selezione di opere e un’analisi critica, le autrici propongono una nuova prospettiva: rileggere la grafica di Fabro non come attività marginale o pratica autonoma, ma come parte integrante del suo percorso artistico.
Archivio Luciano e Carla Fabro, 2026
Rivolta Italia
Giacinto Di Pietrantonio
Una rilettura dell’arte italiana come campo di tensioni, rotture e prese di posizione, in cui le opere intercettano i cambiamenti della società e ne mettono in discussione i valori. Più che una mera ricostruzione storica, un invito a ripensare il rapporto tra la ricerca artistica di Luciano Fabro e l'identità culturale del Paese.
Johan&Levi, 2026
Italian Female Filmmakers 60s/70s
C. Subrizi, P. Ugolini, M. Alicata
Un’indagine sul lavoro delle cineaste italiane che, tra gli anni Sessanta e Settanta, hanno sperimentato linguaggi e forme di racconto alternativi, spesso ai margini della storiografia ufficiale. Il volume riporta alla luce esperienze diverse - tra cui quella di Marisa Merz - mostrando come il cinema sia diventato uno spazio di ricerca estetica e di ridefinizione dello sguardo.
Lenz Press, 2026
Cofanetto d'artista
M. Pistoletto, R. Pio
Raccolte in questo cofanetto due scritti complementari sul pensiero di Michelangelo Pistoletto: da un lato la formulazione - edita dell'artista stesso - di un progetto capace di connettere arte e trasformazione sociale, dall’altro il dialogo con Ruggero Pio sulle possibilità generative del caso. L'edizione è di 300 esemplari, firmati e numerati a mano da Pistoletto.
Cittadellarte Edizioni 2026
Tommaso Trini
Daniela Domina, Iolanda Ratti
Pubblicato in occasione dell'omonima mostra, Tommaso Trini. La Terra vista dalla Luna delinea i tratti salienti dello sguardo attento e lungimirante di Trini. La raccolta di scritti, intuizioni e interventi del critico fa emergere la forte connessione tra le trasformazioni artistiche e le tensioni politiche, sociali e culturali del tempo.
Silvana Editoriale, 2026
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